Reunión de profesionales para futuros profesionales. XX Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño

Video realizado por CEUMEDIA.

Las XX Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño han sido, sin lugar a duda, un aprendizaje y una gran exposición de los largos años de profesión y experiencia que demostraron tener nuestros ponentes. Todos ellos resaltaron los inicios en su carrera, llenos de ilusión y ganas de emprender y llegar al lugar donde siempre quisieron estar, donde poder comunicar de la manera que cada uno de ellos necesita expresarse.

Concha Casajús, fotógrafa y profesora agregada de la Universidad CEU San Pablo hasta 2008,  demostró que hace falta saber mirar más allá para conseguir hacer poesía de una realidad cuyo reflejo a través de la fotografía parecer estandarizado, y ser siempre igual. Diego Caballo, fotógrafo y también antiguo profesor de la Universidad CEU San Pablo, hizo hincapié en el “estar” en el momento idóneo para captar la instantánea que mejor refleje la situación, y en el”arriesgar” que un profesional de la fotografía debe tener en cuenta a la hora de editar y componer una imagen.

Mario Tascón, periodista y comunicador digital, dio su visión sobre los cambios que han surgido, acontecen, y ocurrirán en el mundo de la comunicación con la irrupción de internet y las redes sociales. Una evolución que es un hecho y en donde la creatividad y el “inventar” es quizás la única salida de los periódicos en papel.

El diseñador Pedro Pérez Cuadrado fue el encargado de dar paso y apertura a las ponencias del área de Diseño donde el invitado y también diseñador, Ricardo Curtis,  contó cómo fueron sus inicios como diseñador en el periódico El País cuando, de tan joven, se veía inexperto. Resaltó también  la importancia de la excelencia que ha alcanzado el diseño de los periódicos cuando a estos les queda poco para desaparecer. El diseñador y  ponente en estas jornadas, Mario F. Benito,  hizo un repaso de la evolución del periódico El Mundo y su cabecera, tipografía, color y diseño de sus páginas tras más de 20 años de experiencia y de trabajo en este.

Iker Barinaga fue el encargado de mostrar que gracias a los nuevos medios, el diseño del periódico está experimentando un gran avance y una gran evolución que ha permitido que los periódicos puedan adaptarse a la actualidad y mejorar en muchos aspectos la calidad. José Juan Gámez, infógrafo e ilustrador, cerró la XX Jornada de Fotografía, Edición y Diseño 2017 con una demostración de cómo ha ido surgiendo el desarrollo del lenguaje visual en estos últimos años donde la imagen está cobrando tanta importancia.

Sin duda, la XX Edición de las Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño 2017 ,ha sido una reunión entre profesionales y para futuros profesionales que ha dejado entrever que la evolución, la creatividad, y tal y como dijo Concha Casajús, el “mirar más allá” deben estar a la orden del día para un comunicador. Tras estos días de jornadas que dejan con buen sabor de boca; ya estamos con vistas a la XXI Edición…

 

Javier Garay

XX JORNADAS DE FOTOGRAFÍA, EDICIÓN Y DISEÑO

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1 y 2 de marzo de 2017. Salón de grados del CEU-USP. Julián Romea, 23

El XX aniversario de las Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño coincide también con el XX aniversario de la primera promoción de Periodismo (1993-97) de la Universidad CEU San Pablo (1993) consecuencia lógica del Centro de Estudios Universitarios (CEU), que comenzó su andadura en 1933, y heredera de la primera escuela de Periodismo en España, la del diario El Debate (1926) y todos estos hitos por obra de la ACdP (1909) de cuyo fundador, el padre Ayala, se cumplen precisamente hoy 57 años de su muerte.

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Las denominadas en su primera edición Jornadas de Fotoperiodismo, Edición y Diseño en Prensa nacieron y crecieron al amparo de esa nueva etapa de los estudios de comunicación, ya como universidad Privada, con la mencionada primera promoción de Periodismo y , desde el principio, consolidaron su presencia gracias a la talla de sus ponentes: premios Pulitzer, premios nacionales de fotografía…y, con los años, también fueron germen de tesis doctorales, artículos de investigación, anfitrionas de exposiciones fotográficas, lugar para la proyección de audiovisuales o causa obligada, desde lo formal y lo conceptual, para la edición de numerosas memorias.

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Para la historia de la universidad veinte años son un suspiro. Un suspiro que, a los que hemos podido sentirlo y formar parte de esa exhalación, ha supuesto la esencia de la vida académica en torno a la sección de la Facultad de Humanidades y CC. de la comunicación actualmente denominada Gráfica Informativa y Comunicación Digital y, por supuesto, parte de nuestra identidad como docentes. Parafraseando las palabras del profesor Marín Pedreño en la lección magistral pronunciada en el CEU-USP con motivo de la festividad de Santo Tomás de Aquino de 2012, unas jornadas ya que forman parte del “rumor del conocimiento”: “Tal y como viene sucediendo desde hace casi mil años-destacaba el profesor – , en uno u otro lugar de Europa, se escucha un rumor compuesto de silencios y voces jóvenes o solitarias concentradas. Se trata y se trataba, dice Ortega, de <<un ruido nuevo en el mundo>> el rumor que hace la <<inteligencia como institución>>. En efecto, el ruido que hace el conocimiento es el de su transmisión por la que quienes saben se ponen en relación entre ellos con quienes no saben y, sobre todo, por la que el saber y el no saber se ponen en relación con cada uno de los sujetos cuando aprende”.

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Os invitamos a no perderos un momento para “hacer universidad”, también de celebración, nada menos que de dos aniversarios. Nos acompañarán parte de los promotores de esta iniciativa académica como los antiguos compañeros Concha Casajús, Diego Caballo y Pedro Pérez. A dichos ponentes se unirán Mario Tascón, pionero y referente de la comunicación digital en España y parte del claustro docente de la citada primera promoción de Periodismo del CEU-USP o prestigiosos diseñadores y expertos en innovación digital como Ricardo Curtis, Mario F.Benito o Iker Barinaga.

Al pensar en este evento académico, y por la temática, no se pueden olvidar las palabras que pronunció cierto ponente que nos visitará:”<<Un instante- dijo Marco Aurelio- y habrás olvidado todo; otro instante todavía y todos te habrán olvidado>>, pero sí está la imagen quedará el recuerdo para siempre”. Sirvan estas líneas de homenaje de esta aventura y para que en nuestro recuerdo no solo perduren sus imágenes, también los hechos, entre los que se encuentran la puesta en marcha de estas prestigiosas jornadas: Diego Caballo Ardilla, Concha Casajús Quirós, Juan Carlos Garrido Larruga, Valentín González Álvarez, Laura González Díez, David Monreal Alonso, Pedro Pérez Cuadrado y Antonio Piñuela.

 

 

DOSIS DE REALIDAD EN EL XX PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA HUMANITARIA LUIS VALTUEÑA

Madrid acoge por cuarto año consecutivo la exposición del XX Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, unos premios que reconocen la labor de aquellos fotógrafos que capturan la visión más cruenta y desconocida de la realidad.

Corría el año 1997 cuando en el contexto posterior al Genocidio de Ruanda, Luis Valtueña, fotógrafo español que colaboraba con la ONG Médicos del Mundo, fue asesinado en el país del África Central junto con el médico Manuel Madrazo, y la enfermera María Flors Sirera. Desde entonces, se celebra la entrega de premios de fotografía en su memoria.

Este año, que se conmemora el veinte aniversario del inicio de entrega de estos galardones, ha sido Madrid la encargada de exponer los trabajos que se han presentado. De entre todos, Sergei Stroitelev ha sido el ganador, seguido de César Pastor Castro, Pablo Piovano y Tobi Binder que han obtenido el primer, segundo  y tercer premio respectivamente.

Sergei Stroitelev presentó una serie fotográfica llamada “La casa de la luz” caracterizada por sus imágenes abstractas en blanco y negro que muestran la vida de niños y niñas con enfermedades terminales que viven en el Hospital Infantil de San Petersburgo.  En él, cuenta el autor, se cambia la palabra “cuidados” por la palabra “amor”, y se intensifica el valor de la vida, la felicidad y el confort de los más pequeños. Por cada muerte en el Hospital de un niño, se enciende una vela, y en 2015 se encendieron 18 velas. Su obra está protagonizada por Zhenya, una pequeña que no supera los 8 años y  que sufre una forma severa de epilepsia

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“La casa de la luz” Sergei Stroitelev. Ganador XX Premio Internacional Fotografía Humanitaria Luis Valtueña

 

César Pastor Castro es el primer finalista de los premios Luis Valtueña con su obra “Hurler, la ecuación del gran Utrilla”. Sus fotografías muestran el día a día de Nacho, un niño de 7 años que padece el Sindrome de Hurler, una enfermedad denominada rara que afecta a su desarrollo físico y psicológico. Las imágenes tienen una connotación de amor y cariño paterno hacia un hijo que depende 100% de ellos. El blanco y negro de sus instantáneas centran la atención en el contenido y significado de la imagen que le dotan a la vez de una estética cinematográfica.

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“Hurler, la ecuación del gran Utrilla” César Pastor Castro. Primer finalista XX Premio Internacional Fotografía Humanitaria Luis Valtueña

 

“El Coste humano de los agrotóxicos” de Pablo E. Piovano denuncia las consecuencias de la fumigación con agrotóxicos como el glifosato u otros herbicidas o insecticidas en Argentina, que ha llevado a un incremento de enfermedades oncológicas y deformaciones en el cuerpo humano de los afectados. Presenta una realidad sin voz que oculta personas con problemas de desarrollo psicológico, deformaciones en aquellos que han trabajado en la propia fumigación de terrenos con agrotóxicos, y el efecto de estos en aquellos que desde su nacimiento tienen una enfermedad como espina bífida.

 

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“El Coste humano de los agrotóxicos” Pablo E. Piovano. Segundo Finalista XX Premio Internacional Fotografía Humanitaria

 

El alemán Toby Binder es el tercer finalista con “Niños y niñas de Peace Village” un hospital situado en Dusseldorf que acoge a niños en situaciones insalubres para cuidarles y protegerles al menos durante un año. Estos suelen llegar sobre todo de Angola, Afganistán y otros países que sufren las consecuencias de los conflictos bélicos.

 

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“Niños y niñas de Peace Village” Toby Binder. Tercer Finalista XX Premio Internacional Fotografía Humanitaria

 

La exposición fotográfica, presentada en el Centro Centro Cibeles, es una dosis de realidad que permanece oculta en una sociedad influenciada por los medios de comunicación y sus agendas mediáticas, que en muchos casos no dan cabida a algunas de las verdades más crueles que tiene el mundo. Cada una de las series fotográficas supone una enseñanza y un despertar más allá de lo que nos rodea, siendo capaces de ser conscientes al menos por un momento, de que lo que tenemos nosotros, les falta a ellos. Los fotoreportajes de Sergei Stroitelev, César Pastor Castro, Pablo Piovano y Tobi Binder son un reflejo de la historia de una persona o población en representación de miles de ellas que lo padecen. La exposición estará abierta al público en Madrid hasta el 5 de marzo.

 

Javier Garay

“¡SORPRÉNDEME!”, la última obra maestra de Philippe Halsman en CaixaForum Madrid

 

“HAGO MUCHOS RETRATOS Y ME LOS TOMO MUY EN SERIO. INTENTO CAPTURAR LA ESENCIA DEL MODELO, BUSCANDO LA VERDAD Y HUYENDO DE CUALQUIER ARTIFICIO. MI OBJETIVO ES PRODUCIR UNA FOTOGRAFÍA QUE PASE A LA HISTORIA COMO IMAGEN DEFINITORIA DE ESA PERSONA, DE MANERA QUE CUANDO SE INVOQUE A ALGUNA GRAN FIGURA DEL PASADO LA GENTE IMAGINE UN RETRATO HECHO POR MI CÁMARA Y MI OJO”

 

“¡Fuera máscaras!” diría Philippe Halsman si tuviésemos que posar ante su objetivo, o pasar a ver la recopilación de algunas de sus obras expuestas en CaixaForum Madrid. Y es que, si por algo se caracteriza este fotógrafo estadounidense del siglo XX es por captar la verdad y realidad del modelo sin artificios frente a la cámara.  Figuras como Marilyn Monroe, Alfred Hitchcock o su gran amigo,  Salvador Dalí en otros, se rindieron ante un modelo fotográfico en donde el autor pretendía mostrar una visión diferente del retrato.

A principios de los años 40, y con varias fotografías publicadas en la revista VOGUE de Francia, la vida profesional de Halsman da un giro por completo al conocer a Salvador Dalí. Junto al pintor, el fotógrafo comenzaría una nueva etapa en donde el surrealismo sería el protagonista, tal y como lo es en las pinturas y esculturas del artista fanático del color y las rarezas. “Dali´s Moustache” o composiciones como “Dalí Atomicus” son tan solo un ejemplo de los trabajos que juntos, y a lo largo de 37 años de amistad, hicieron.

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“Dali´s Moustache” Philippe Halsman .1954

Bajo una sociedad en donde los cánones de belleza estaban marcados por las actrices de Hollywood, Halsman quiso reivindicar la naturalidad de un rostro en su máximo esplendor para destacar el encanto y la gracia de la mujer, y también del hombre. “Jumpology” fue el nombre que Philippe Halsman utilizó para acuñar una técnica en donde captar la naturalidad del modelo haciéndole saltar. Según él, mediante el salto los actores, actrices o celebridades conseguían olvidarse de una pose preestablecida frente a la cámara para dar paso a la naturalidad sin esfuerzo y de forma singular. Marilyn Monroe fue la primera en protagonizar este nuevo estilo, y aunque en un principio no le gustó el resultado de verse sin filtros ni sonrisas forzadas, pasados los años volvió para convertirse en una de las fotografías más destacadas de la obra del autor.

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Marilyn Monroe por Philippe Halsman. 1959
 

Hasta 1979, año en el que falleció el fotógrafo, miles de iconos del mundo del cine, la música o incluso del boxeo, como Muhammad Ali, pasaron por el estudio de Philippe Halsman. Todos ellos apostaron por una obra reflejo de la realidad sin máscaras, una fotografía que representa el valor de una expresión natural en donde el esfuerzo por conseguirla, como diría Halsman, reside “en alcanzar la esencia de las cosas y objetivos que puede que sean inalcanzables”.

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Muhammad Ali por Philippe Halsman. 1963
 

Desde 1941 hasta sus últimos años, las fotografías de Philippe Halsman acapararon innumerables portadas de la revista americana LIFE. Estas, como el resto de su obra, se podrán ver desde el 1 de diciembre al 26 de marzo de 2017 en “¡Sorpréndeme!”, una exposición de CaixaForum Madrid.

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Lauren Bacall por Philippe Halsman para la revista LIFE. 1944
 

Javier Garay

 

La realidad se desnuda en la exposición de World Press Photo

Sorpresa, dolor, tristeza, esperanza. Cada fotografía expuesta en los pasillos del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) consigue rascar la coraza del espectador y producir en él una sensación de proximidad a la noticia. Y es que la World Press Photo llega a la capital para traer, de nuevo, pequeños fragmentos de la realidad que permanecen ocultos a los ojos del ciudadano medio.

Orphaned Rhino, por Ami Vitale.

Orphaned Rhino, por Ami Vitale.

Dentro de una sociedad insensibilizada por la sobreabundancia informativa, la mejor herramienta para conseguir comunicar los hechos, con toda su crudeza y en toda su intensidad, es la fotografía. De la misma manera que un profesional de la información filtra, contrasta y explica una realidad a través de un texto periodístico, un fotoperiodista escoge el momento y la forma de capturarlo para transmitir, de la forma más veraz posible ese instante. Solo así se estará dando a conocer con toda su complejidad. Como diría el escritor Milan Kundera, “La memoria no guarda películas, guarda fotografías.” Y esta es una de las razones por las que este medio se mantiene intacto con los avances de la tecnología.

Kitchen Table, por Sergei IInitsky.

Kitchen Table, por Sergei IInitsky.

La exposición, que sigue abierta al público hasta el día 12 de octubre, permite acceder al lado más humano del periodismo. Ya sea revindicando la libertad sexual, como en el caso de la fotogafía ganadora, Jon and Alex, de Mads Nissen; o poniendo los ojos en Sierra Leona a través del objetivo de Pete Muller, donde 2.758 personas han muerto a causa del Ébola, las noticias que durante el año han aparecido como datos abstractos se convierten en imágenes. En realidades. En sentimientos.

Ebola in Sierra Leone, por Pete Muller.

Ebola in Sierra Leone, por Pete Muller.

Extractos de la realidad que, de otra manera, quedarían ocultos. Como la crítica situación medioambiental en la que se encuentra China, donde cada vez son más los bebés que sufren los efectos de la contaminación sin que sus padres puedan hacer frente a los gastos sanitarios. O la explotación animal que se lleva a cabo en los zoos de este país.

Development and Pollution, por Lu Guang.

Development and Pollution, por Lu Guang.

Aunque también hay espacio para la naturaleza, representada por autores como Christian Ziegler, o el deporte, donde destaca Sergei Ilnitsky, que consigue plasmar, desmaterializar, el movimiento de los esquiadores, consiguiendo un armónico y llamativo resultado que solo la fotografía es capaz de capturar. En definitiva, una exposición que ofrece una colección de momentos y miradas que han formado parte de este año, desde distintos rincones del planeta, y que de una manera u otra están conectadas con nosotros. Aunque no lo hayamos podido ver.

Conquering Speed, por Sergei IInitsky.

Conquering Speed, por Sergei IInitsky.

DATOS ÚTILES

Calle Hortaleza 63, Madrid
Teléfono:91 595 15 05
Precio de Entrada 4€ // 2€ para desempleados
Exposición abierta hasta el 12 de octubre

Galiana Legorburu

Abierta la inscripción para las XVIII Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño

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Os presentamos la XVIII edición de las veteranas Jornadas de Fotografía, Edición y Diseño, que tendrán lugar los días 17 y 18 de marzo en el salón de actos de la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Comunicación de la Universidad CEU San Pablo de Madrid.

El evento, organizado por el Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad y el grupo de investigación emergente ICOIDI, contará, como cada año, con un cartel de lujo para reunir ilustradores, fotógrafos, periodistas, y personalidades del mundo del diseño en un mismo marco en el que ofrecerán testimonio de su experiencia a estudiantes de grado y posgrado, y profesionales de la comunicación.

PROGRAMA-JORNADAS

DESCARGA EL PROGRAMA DE LAS JORNADAS

¡Inscríbete ahora haciendo clic aquí! (para doctorandos de la CEU Escuela Internacional de Doctorado -CEINDO-, se informa de que estas Jornadas se inscriben en la línea 3 del Programa de Comunicación Social y podrán pedir certificado acreditativo de asistencia).

Viaje ecologista con Sebastiao Salgado

Fernando Bonete Vizcaino

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Profesores y alumnos de asistieron el pasado viernes 24 de octubre al prosterno del documental La sal de la tierra, sobre el fotógrafo Sebastiao Salgado, una oportunidad única para descubrir a este artista que ha acaparado salas de exposiciones de todo el mundo con las instantáneas de su último trabajo, Génesis. Te presentamos una pequeña reseña de la película.

No dudo de la factura técnica de un cineasta que ha conseguido entrar en la clasificación de “clásico” del séptimo arte estando todavía vivo. Menos cuando se trata del género documental, formato con el que Win Wenders se introdujo en el cine. Primero con cortometrajes Silver City Revisited y 3 American LPs (1969), más tarde con el largometraje sobre Nicholas Ray Relámpago sobre agua (1980). El documental ha salpicado durante más de cuatro décadas de carrera audiovisual el trabajo del director alemán, y nos dejó un reciente ejemplo de esta guisa en 2011 con los minutos dedicados a su compatriota bailarina y coreógrafa Pina Bausch.

Wenders repite este 2014 en el género junto con Juliano R. Salgado: La sal de la tierra, sobre el fotógrafo brasileño Sebastiao Salgado. Como en el caso de Pina, la belleza de su metraje es indiscutible. Decía que no dudo de su maestría formal… otra cosa es lo que nos cuenta.

El comienzo, desde luego, es prometedor. El encuentro entre cineasta y fotógrafo, emocionante. La mirada humana que comparten, inteligente y bondadosa. Las historias de sufrimiento en los parajes más recónditos del mundo, turbadoras, conmovedoras… Por eso sorprende el viraje de mitad del filme en adelante, cuando todo ese discurso de Salgado narrado por Wenders, que parecía encaminado a demostrar la necesidad de la caridad para con los más desfavorecidos, ese dar voz a los sin voz a través de la fotografía, se transforma en decepción y pesimismo por las obras de la naturaleza humana y termina convirtiéndose en un discurso meramente ecologista.

El resultado del trabajo fotográfico de Salgado, lo que hay detrás de su obra, es la desesperanza, la desconfianza en el hombre y, finalmente el refugio en la naturaleza. Eso es cobardía: podría haber arriesgado, apostado por la semilla del amor humano, y se conforma con la reforestación. Bien es cierto que lo segundo vende más en un mundo posmoderno panteísta, pero entonces el título del documental, La sal de la tierra, no cumple con las intenciones de su fuente original (Mt, 5:13), sino con una operación de marketing que se termina de explicar por la presencia de Juliano R. Salgado, hijo del fotógrafo, junto con Wenders frente y tras la cámara.

Por otro lado, los aficionados y profesionales de la fotografía van a echar en falta en este documental referencias al procedimiento de trabajo de Salgado. Todos tenemos en mente aquella maravillosa War Photographer (Christian Frei, 2001) en la que se nos muestra el día a día de la toma y edición y publicación fotográfica del célebre James Nachtwey. No hay de eso en La sal de la Tierra. Hay que imaginarse cómo se han capturado las instantáneas… y la cantidad de ajustes HDR que maquillan el trabajo de Salgado.